ORIOL ESPINAL {archivo}

Crossroads es un proyecto de arte digital concebido entre los años 2000 y 2002, desarrollado con la tecnología Adobe Flash, en un momento en que esta plataforma permitía explorar nuevas formas de interacción en Internet. En su concepción original, la pieza ofrecía al usuario una experiencia inmersiva, articulada a partir de una estructura visual y narrativa no lineal.

En agosto de 2015, un mes después del fallecimiento de mi amigo Pepe Gutiérrez, llevé a cabo la acción Desmantelando un mandala en el molino de Fernán Pérez (Almería). Concebida como un homenaje íntimo, esta intervención exploró la relación entre sonido, memoria y transitoriedad, en sintonía con la práctica budista tibetana que Pepe seguía. El interior del molino quedó convertido en un escenario de despedida, donde la música que salía de mi guitarra dialogaba con la disolución progresiva del mandala...

En Escenarios para un periplo el artista nos propone un viaje iniciático a través de una tríada de espacios, objetos o escenarios que invitan a la experiencia del arte a modo de peregrinación para alcanzar la sacralidad, la inmortalidad, la realidad absoluta o la busca de un centro como utopía. Entre la alquimia y el esoterismo, Oriol Espinal nos plantea el laberinto como imago mundi, y su centro como símbolo de la finalidad absoluta del hombre o la imagen del paraíso

Codex Viatoris ocupa, dentro de Escenarios para un periplo, la posición axial de libro-santuario. Inserto en la escultura Refugio para caminantes, su emplazamiento en el núcleo exacto de su estructura cúbica confiere a la obra un estatuto de centro geométrico y simbólico a un tiempo. Cerrado bajo la cubierta que ostenta un círculo de escamas —alusión inequívoca al dragón dormido—, el libro solo podía ser abierto tras la experiencia liminar: atravesar la puerta estrecha, recorrer el laberinto del suelo y culminar en el altar central.

La exposición Los poemarios que nunca escribiré se presentó en el molino de Fernán Pérez en paralelo a otra titulada La pureza de tu sonrisa. Instalada la primera en el piso superior y formalmente distante de la propuesta expuesta en la planta baja, ambas partían de poemas de mi libro Periferias, en el caso que nos ocupa, del soneto cuyo título da nombre a la exposición. Compuesto por versos deliberadamente pomposos y vacíos —aunque no exentos de cierto fulgor estético—, el soneto no era más que una lista de posibles títulos de poemarios que quizás podrían existir algún día...

Quadern de nit (Cuaderno de noche) és un libro concebido como parte inseparable de la escultura La sima de los libertos, tercera pieza del ciclo Escenarios para un periplo. Se presenta como un testimonio dejado por el visionario que, tras una travesía interior, regresa transformado a la realidad compartida. Cada doble página del volumen articula una estructura dual: en las páginas pares, dibujos secuenciales que representan la progresión de los escalones de la espiral ascendente; y en las impares, un texto poético que establece un diálogo entre voces multilingües.

El encargo de la Oficina de Gestió de Monuments de la Generalitat de Catalunya surgió con el propósito de mejorar la versatilidad del espacio absidal de la Colegiata de Sant Vicenç de Cardona. Dado su uso frecuente como sala de conciertos y de grabación de música antigua, el nuevo altar debía combinar un simbolismo profundo con la funcionalidad necesaria para facilitar su traslado.

Un desconocido llamó a mi puerta una tarde de otoño. Me entregó un sobre con versos y me encomendó una tarea sujeta a unas condiciones insólitas. Antes de marcharse, escribió en el dintel de la puerta: «La materia gira y el espíritu reposa». De aquel encuentro improbable nacieron los cuatro libros y el caligrama que presenté en esta exposición en 1996. Cantos finales es el fruto de una tarea dictada en la frontera de la vigilia, donde lo soñado acabaría transformándose en materia palpable y forma visible.

Estancia de la soledad es un proyecto de instalación que recrea la escenografía en la cual el poeta —encarnado en la figura del espectador— emprende un itinerario que lo conduce a adentrarse en sí mismo: en su jungla, en su mar, en su caverna. Se trata de tres etapas de un tránsito iniciático —un umbral, un centro y un retablo— representado a través de tres piezas escultóricas.

La instalación El Agua y el Silencio se articula como una propuesta transdisciplinaria que explora la intersección entre lo visual, lo textual y lo sonoro. Desde una perspectiva fenomenológica, la obra invita a un proceso de significación en el que cada uno de estos lenguajes emerge y converge en una unidad sistémica, operando bajo una lógica de interdependencia semántica. En este sentido, los elementos que la configuran no pueden disociarse sin perder su potencial expresivo y hermenéutico.

Observatorio del origen propone una reflexión sobre el acto de observar y la transformación de la experiencia interior cuando se traduce en representación material. La pieza se estructura a partir de una dialéctica entre el ojo y la mirada, el adentro y el afuera, la luz y la sombra, interpelando al espectador no solo como observador pasivo, sino como participante activo de un proceso perceptivo y simbólico.

Las aguas es un proyecto concebido como una meditación visual sobre el tiempo y el orden —o el desorden— cósmico. A través de la representación simbólica del agua en sus múltiples formas y significados, se articula como una tríada de gran formato —tres pinturas sobre papel de 200 x 200 cm— donde se despliega una poética de lo fluido, lo cíclico y la trascendencia del universo.

Desde las culturas más primitivas hasta la actualidad, la figura del dragón —Drache en alemán— ha sido un símbolo universal que ha perdurado tanto en Oriente como en Occidente. En él se encarna tanto el mito del monstruo y la representación del diablo, como la imagen del animal o aquello que hay de animal en nosotros mismos. Con el nombre de Drache, Oriol Espinal ha titulado su más reciente conjunto de trabajos...

El ojo de oro (L’ull d’or) es un libro-objeto concebido como núcleo simbólico del Tabernáculo para un manual, una de las piezas presentadas en la exposición Escenarios para un periplo. Custodiado en el interior de este sagrario escultórico, se presenta como un territorio de acceso restringido cuya apertura implica un gesto de transgresión ritual. Su secuencia de dieciséis páginas se organiza en cuatro hileras de cuatro elementos cada una, conformando una suerte de estrofa de un poema visual en el que imagen, palabra y color se entrelazan.

Presentado en el marco de la exposición Cantos Finales, y al igual que los otros tres libros de la serie, Cantos Finales, Libro I se construye bajo el signo de un relato de corte onírico y borgiano: un visitante anónimo irrumpe en el estudio del artista y le entrega dos sobres —uno con sesenta y seis versos anafóricos en catalán, el verso–respuesta «Es tiempo de erigir el templo» y las once letras sueltas que acabarán conformando el título Cants Finals; el otro con un diagrama esotérico que fija las reglas de la obra.

En su texto de presentación de la exposición Unity, la crítica de arte Maria Lluïsa Borràs escribió: En la obra de Oriol Espinal la palabra es contenido y forma, tema y estructura, una morfología del verbo, la palabra sagrada «capaz —como dice el propio artista— de generar su propio corazón gráfico y, a la vez, la periferia que la enmarca y la defiende». En los diversos estudios preparatorios, así como en la versión definitiva de esta obra inquietante y enigmática, Espinal se vale de dos imágenes: la palabra y la mano. Dos elementos de los cuales se desprende una contraposición entre el pensamiento unido y el pensamiento único.

El rumor de otros mundos es una pieza creada exprofeso para la exposición colectiva Para Goya. La singularidad de la obra radica en un juego conceptual entre técnicas calcográficas tradicionales y contemporáneas; para la ejecución del retrato, partí de una estampa original del autorretrato con el que el pintor aragonés preludia su célebre serie Los Caprichos.

En agosto de 2013, compuse el poema La pureza de tu sonrisa en distintos escenarios del Cabo de Gata. Dos años después, lo utilicé como eje conceptual de una exposición multidisciplinar que integraba música, poesía, fotografía, dibujo y escultura. La muestra, que llevaba el mismo título del poema, exploraba la interconexión implícita entre las artes y cómo un género, en este caso el poético, puede desplazarse y transformarse en otras formas de expresión, generando un «cuerpo» interdisciplinar cuyos elementos dialogan entre sí a la vez que mantienen su autonomía expresiva.

Las pinturas de la serie Huida al centro son el resultado de una necesidad perentoria de huir, pero no hacia el exterior, sino hacia el núcleo más íntimo del ser. Lejos del escapismo, el conjunto de estos trabajos plantea un recorrido introspectivo donde el ahogo existencial se transforma en búsqueda de sentido. A través de la figura aislada, el espacio simbólico y el gesto suspendido, las pinturas nos hablan del trance, del combate espiritual y de la acción creadora. En este tránsito, el artista se sitúa en un ámbito donde la huida de sí mismo deviene regreso a un sí mismo transformado, a una forma de conciencia más profunda y serena.

En 2018, con el objetivo de rescatar del olvido la figura de mi abuelo, el pintor y coleccionista Marian Espinal, desarrollé un sitio web dedicado a la divulgación de su obra. La plataforma ofrece un catálogo de sus trabajos pictóricos y de su colección de arte, además de poner a disposición del público su epistolario completo y otras informaciones. A través de esta recopilación, el sitio web no solo preserva su legado, sino que también proporciona una herramienta fundamental para investigadores y estudiosos del arte catalán.

La instalación Molino en Fragmento tuvo como propósito explorar la relación entre el objeto representado y su propia representación a través de la fotografía. Para ello, dispuse en el paramento interior del molino imágenes que capturaban detalles de su exterior. Este procedimiento estableció un vínculo especular en el que el molino, además de ser el objeto representado, se convirtió simultáneamente en el soporte material de su propia imagen. De este modo, busqué articular dos dimensiones de una misma entidad que, a pesar de coexistir, permanecieron ajenas entre sí, sin posibilidad de discernir si existía algo más allá de sus respectivos espacios interiores y exteriores.